10.4.14

Iluminación de espacios interiores

Para fotografiar interiores se debe tener en cuenta la influencia de las luces, ambiente y artificiales, que hay en el lugar. Para esto, se debe medir la influencia de la luz ambiente contra la real (artificial que se lleva para complementar).

La foto debe reflejar la realidad.

Para estas fotografías, se trabajó con dos tipos de luz, de generador y elinchrome.

Cuando en el espacio hay una luz proveniente de una ventana, ésta se controlará mediante la velocidad de obturación. Esto quiere decir que esta luz será la base. Las luces artificiales se controlarán con los diafragmas, promediando, y además se debe compensar un poco para lograr un efecto visual agradable.

Cuando hay luz mixta y pocas fuentes de luz artificial, se trabajan tiempos muy largos y se van disparando varios "flashazos" que rellenen y pinten el entorno.

A continuación, las fotos de la práctica de fotografía de interiores.

Luz mixta

Aproximaciones, sin luz ambiente


Aproximaciones, sin luz ambiente

Aproximaciones, sin luz ambiente

Resultado final, luz mixta.

Ensayo sobre el proyecto: Dioptrías: verdadera realidad.

Gabriela Vega Moreno

Dioptrías: verdadera realidad

Al menos quince de los casi veinte años de vida mía, mi visión ha sido corregida con anteojos y lentes de contacto. Conforme avanzaba el tiempo, esta imperfección aumentaría paulatinamente hasta casi establecerse (hace poco tiempo). Y hay que notar entonces, que la prioridad siempre fue evitar la mala visión (como es obvio: ¿cómo podría desenvolverme en el mundo, en el día a día, viendo mal? Y sobre todo, ¿viendo cada vez peor?). Por esta razón, aunque nací con esta imperfección, una avanzada miopía, jamás la conocí a fondo, y mucho menos cuando a los trece o catorce años comencé a utilizar lentes de contacto: ¿de verdad existía algo que mejorara mi visón aún más que las gafas? Fueron una revelación visual, fue el descubrir la perfecta nitidez.

Es por esto que ahora me llama la atención el opuesto, es decir, ese mundo apartado o excluido de mí. Explorar el eterno desenfoque, la “ceguera” como se le dice también a la miopía. Surgió la inquietud hace algunos meses, cuando al quitarme los lentes de contacto, antes de dormir, la sensación del ojo desnudo comenzó a hacerse mucho más evidente de lo que jamás había sido. El no-ver, la presencia constante de manchas y texturas que conocía a la perfección pero a la vez no, se volvieron fotográficamente interesantes.

Es pertinente traer a colación esta frase que Jorge Luis Borges, escritor argentino, pronunció en una conferencia que dictó en 1977, sobre su ceguera personal: “Y yo creo que la ceguera no debe verse con patetismo, que la ceguera debe verse como un modo de vida: es uno de los estilos de vida de los hombres.” BORGES, Jorge Luis. De siete noches, noche séptima: La ceguera. 1977. Teatro coliseo de Buenos Aires.

Pues bien, adoptando este modus vivendi de Borges, y queriéndome alejar de un ensayo fotográfico hecho por la brasileña Layana Leonardo (“Ensayo sobre la miopía”), quien hace un acercamiento a esta deficiencia visual desde el objeto corrector (los anteojos), a diferencia mía, que quise deshacerme de este y para lograrlo, decidí hacer un experimento sensorial-fotográfico, del cual saldrían las imágenes para el proyecto Dioptrías


Layana Leonardo, algunas fotografías de "Ensaio sobre a miopia"


El experimento consistió en salir a la calle sin lentes de contacto, con los anteojos a la mano, a observar todo lo que me llamase la atención (para fotografiar). Para este fin, hice una pequeña bitácora en la que expresé el antes y el después de la salida, que expongo a continuación:

­-Antes-
Intenté salir sin lentes ni gafas pero mi miopía es tan avanzada que no ver nada me hizo sentir muy insegura. Por eso decidí salir con gafas, porque nunca lo hago, ya que tienen una fórmula bastante atrasada, y por el camino, quitármelas lo que más pudiese. El recorrido (de mi casa a la universidad) fue planteado con el fin de “sacar” lo que yo considerase elementos fotográficos (sin las gafas puestas) en un espacio cotidiano. Al llegar a la universidad me pondré los lentes de contacto.

Referentes de lo cotidiano.
Vari Caramés "Recreo"
Vari Caramés "Recreo"

Vari Caramés "Miscelánea (1980-2000)
  


-Después-
El recorrido estuvo lleno de sorpresas. Fue visual y sensorialmente muy estimulante, algo que jamás había hecho, y generó en mí una sensación muy extraña y totalmente desconocida: confirmé como verdaderamente mía esa visión sin filtro, la que siempre han intentado corregir. Hubo en mis ojos una sensación de libertad y de pureza que nunca había sentido porque mis ojos solo habían estado desnudos en situaciones familiares (mi casa, las mañanas antes de arreglarme), y sobre todo, por cortos periodos de tiempo.
Decidí ir a la Quebrada de la Vieja y al adentrarme, descubrí (y reafirmé lo que Borges dijo (parafraseando su conferencia, …que prevalecen los colores, que sobresalen algunos por encima de otros. BORGES, Jorge Luis. De siete noches, noche séptima: La ceguera. 1977. Teatro coliseo de Buenos Aires.), pero en mi caso, son los colores vivos los que permanecen. Me explico: el verde se vuelve denominador común, el gris del asfalto, junto con el color ladrillo, se perciben como una masa uniforme en la que se pierde con facilidad el interés. Por esta razón, decidí buscar colores que, sin los anteojos (siempre), llamaran mi atención para que de igual forma, fueran estos los que sobresalieran en las fotografías que tomé durante el recorrido.

Teniendo ya el material, el siguiente paso es el montaje de la exposición, el cual debe ser coherente y corroborar lo que quiero expresar visualmente. Por esta razón se decidió que este estará compuesto de dos partes, una, las fotografías principales (las que representan la miopía) impresas en un tamaño grande, de 40x60 cms; de este modo, los espectadores deberán hacerse a una distancia prudente para poder apreciarlas bien (como se hace normalmente cuando se quiere observar algo grande y muy bien definido). Debajo de estas fotos, estarán dispuestas en un tamaño mucho más reducido (10x15 o 13x18 cms), copias de las fotografías grandes, esta vez, completamente enfocadas; de esta manera, los espectadores deberán acercarse para ver bien qué hay en las fotografías. Esto, haciendo alusión a la característica que poseemos los miopes (en todo caso, los que tenemos una fórmula muy alta), de que al acercarse mucho a algo (libro, objeto, etc.), la visión se perfecciona un 110%, lo cual significa que tenemos la capacidad de ver todo con total nitidez.

La segunda parte del montaje consiste en los apoyos no-fotográficos que habrá dispuestos para hacer más comprensible el discurso detrás de mi proyecto. Consistirá primero, en tres tablas de optometría que en vez de las características letras, tendrá escrito el título del proyecto y la segunda estará más borrosa que la anterior, y la tercera más que la segunda. Aparte, al final de la disposición de las fotografías, se encontrará este ensayo, por si algún espectador quisiera ojear para saber cómo fue la aproximación a la idea.


FOTOGRAFÍAS DEL PROYECTO. (Las siguientes no son las fotografías finales, sin embargo son las últimas aproximaciones que muy probablemente serán escogidas).
A continuación, se hará un análisis de la composición por pareja de imágenes.


En esta pareja, el eje principal lo dibujo el palo amarillo. Asimismo, este palo es el punto de interés, si se piensa en la rejilla de tercios vista anteriormente.


En esta pareja hay una dualidad, ya que en la desenfocada se quiere que el punto de interés (situado, en la rejilla de tercios, en el tercio superior izquierdo), los colores blanco y negro. Sin embargo, en la imagen enfocada hay un eje principal que es la baranda de madera, y los puntos de color se pierden, volviéndose en punto de interés el palo vertical de la baranda.


En esta pareja, el punto de interés es el color verde que se encuentra en el tercio superior. Sin embargo, en la imagen enfocada se distingue un eje principal siendo este la orilla del río.

Esta experiencia ha sido muy gratificante. Descubrí sensaciones y "atracciones" visuales que no conocía, es decir, adquirí un nuevo "filtro" de vista, a la hora de tomar mis fotografías. Ahora siempre estoy con esa vena de la miopía activa, viendo también cómo se verían fotográficamente hablando, las imágenes que se me ocurren.






27.3.14

Clave alta y clave baja

Clave alta y clave baja consisten en que predominan los tonos blancos o negros, respectivamente, con muy poca información del tono contrario.
Estos modelos de iluminación son una relación de contraste entre las altas y las bajas luces, y en cada una predomina alguna de las dos.

Clave alta
Se caracteriza por la predominancia de los tonos blancos, y la luz es el elemento principal en este tipo de iluminación. En las sombras o tonos bajos, habrá solamente un pequeño registro de información.

(Nota: se subirá próximamente un ejemplo de fotografía en clave alta)

Clave baja
Se caracteriza por la predominancia de los tonos negros, y la ausencia de luz, o poca luz bien direccionada, es el elemento principal en este tipo de iluminación. El registro de tonos altos será muy bajo y diseñado cuidadosamente sobre el motivo.
Acá, un ejemplo de fotografía en clave baja:
Fotografía propiedad de Gabriela Vega Moreno



Acá podemos ver un ejemplo aproximado de cómo se verían ambos histogramas:
http://static.dzoom.org.es/wp-content/uploads/2012/07/5.jpg

25.3.14

Pragmática

Texto e imagen

Las relaciones que se pueden dar entre texto e imagen pueden ser varias. Sin embargo, en términos generales, básicamente se trata de mezclar códigos: se  crean diálogos entre lo icónico y lo lingüístico.

Dentro de las funciones metalingüísticas (aquellas que establecen una relación entre el código y el mensaje), existen tres funciones del texto en la imagen, y una en la que el texto no es necesario:

Función de anclaje: Aterriza el significado. La imagen pasa de ser connotativa a ser denotativa. Limita y reduce las posibilidades significativas de la imagen. 
Esta imagen (sin el globo de texto) es un fotograma de la película Zelig, de Woody Allen.

Paradoja o parasitismo: El texto aporta un significado distinto al ser expresado por la propia imagen. Se pueden contradecir el uno con el otro.


Relevo: El texto completa el sentido de la imagen. Ayuda a narrar junto con la imagen.

Esta imagen pertenece al fotógrafo Dimitri Daniloff.

Una imagen habla más que mil palabras: No es necesario el texto, ya que la imagen lo dice todo.

Esta imagen hace parte de una campaña contra el abuso sexual cibernético, de Innocence in Danger. Va acompañada con este texto: los acosadores pueden estar escondidos en el teléfono de su hijo.





Nota: La imagen de Relevo es parte de una campaña de PlayStation2.

Iluminación axial para reproducción de originales

La iluminación axial consiste en dirigir la luz hacia un cristal que esté inclinado a 45°, de manera que éste actúe como espejo. La luz se debe poner a 90°, perpendicular a la superficie, como se indica en el diagrama.


Iluminación axial
http://www.grancursodefotografia.com/macrofotografia/imagenes/iluminacion_axial.jpg

Se hace medición en plano con el exposímetro, esto es, con la lumiesfera guardada. De esta manera queda iluminado el objeto de manera perpendicular perfecta sin reflejos ni sombras.

El resultado final debe ser así: 
En esta imagen hay una pequeña sombra ya que el billete no está perfectamente liso. Sin embargo, la fotografía es fiel a todo detalle.

Iluminación para reproducción de obras de arte

La fotografía de reproducción de originales, en este caso obras de arte, debe ser absolutamente fiel a la pieza original. Es por esto que hay un esquema de iluminación estricto para realizarlas:



El cuadro se debe poner a plomo, es decir, vertical. La cámara debe estar ubicada perpendicular al centro y la mitad del cuadro. Se deben utilizar dos luces con exactamente la misma potencia, a 45° y a nivel, a la altua de la cámara. Acto seguido, con el exposímetro se deben medir todos los puntos de la obra para buscar que haya la misma exposición en todas las áreas del cuadro (la más exacta posible). Nada en el entorno debe brindar más o menos luz, es por esto que se deben cubrir todos los puntos de reflexión con banderas que estén fuera de los puntos de incidencia. El objetivo de la cámara debe duplicar el ángulo de visión normal (35mm), es decir que es ideal utilizar un 70mm como mínimo. También se recomienda utilizar un teleobjetivo de 100mm.

A continuación, se toma una foto de la obra acompañada de la carta gris y la de color, que son patrones universales de ajuste (recordemos que la fotografía debe ser fiel al original: mostrar la obra como es).


Este debe ser el resultado final:




(Nota: Próximamente se actualizará esta entrada con fotografías del detrás de cámaras de esta realización.)

24.3.14

Iluminación de objetos traslúcidos

Para tomar fotografías de objetos traslúcidos, se utiliza un equipamiento de accesorios de transmisión difusa y reflexión. A la hora de tomar estas fotografías, es necesario cuidar las refracciones y los brillos molestos, de manera que se cuiden los objetos que hay detrás y a los lados.
Al igual que con los objetos brillantes, se recomienda utilizar domos o espacios cerrados controlados. Si se dirige una luz desde atrás hacia adelante, ésta hará que el objeto se vea traslúcido. En los objetos no pueden quedar rastros del mundo que los rodea, sin embargo, eventualmente, las refracciones pueden colaborar.

Se pueden utilizar varios recursos a la hora de tomar este tipo de fotografías, tales como un pequeño sinfín, un soporte de múltiple funcionamiento de estructuras no necesariamente cerradas.

Para el diseño de reflejos sobre superficies traslúcidas, hay varios aspectos a tener en cuenta:

-Bordes: más claro, menos oscuro.
   Negros: Generan contornos oscuros.

   Blancos: Los reflejos son de superficies blancas muy bien iluminadas.



-Contornos de forma



-Efectos refractivos: mallas o tramados, por ejemplo.
 Se pone la luz debajo de una mesa traslúcida, dirigida a la rejilla (al fondo), rozando al objeto.




La iluminación de objetos traslúcidos se utiliza, por ejemplo, en joyería. En este ejemplo, la sombra del cristal genera sensación de brillo.
http://www.raulybarra.com/notijoya/biblioteca_archivos_1.1/notijoya_1.1/archivosnotijoya8/imagenes_archivo8/oro_joyeria_mayoreo.jpg
En iluminación de botellas se utiliza hielo acrílico, y este siempre debe estar iluminado desde abajo (tener su propia fuente de luz).

En copas, splashes y cristales, los bordes negros generan una sensación de volumen.

A continuación, veremos un ejercicio de iluminación de botella. Para esta fotografía, se utilizó un snoot con gelatina de luz de fondo, y la luz principal fue una caja de luz.






Iluminación de objetos brillantes

Para la iluminación de objetos brillantes lo más recomendable es utilizar cicloramas o estudios cerrados que no contengan objetos contrastantes, por ejemplo, el techo debería ser blanco.

Por ejemplo:
http://i.ytimg.com/vi/W_TWvyeoILM/0.jpg
http://gruposrm.com/TiendaSRM/MyP/img/p/5/8/2/582-large_default.jpg




























Esto se debe a que los objetos brillantes son universos reflejantes. Esto quiere decir que reflejan todo lo que hay a su alrededor.

Una buena fotografía de objetos brillantes no debe quedar con rastros del estudio que los rodea, ni con elementos que distraigan su forma ni contraste. Los brillos inadecuados distraen de los detalles y las formas, y no se puede definir de qué se trata el objeto.

Entonces, la idea es lograr con el ambiente un diseño de reflejos sobre los objetos: el diseño del brillo es el fundamento; aquel que beneficia la forma del objeto. Sin embargo, hay que tener en cuenta que jamás se podrá evitar el reflejo inconveniente, entonces se debe tener "control del reflejo". En esta situación, la post producción es indispensable.

A continuación mostraré algunas fotografías de objetos brillantes realizadas como práctica de clase:



Para tomar estas fotografías, se utilizó una base negra, y un papel pergamino como difusor. La luz principal tenía un reflector de ángulo estrecho como accesorio, y en el caso de la segunda foto, se utilizó un flash de mano como relleno.

18.3.14

Semántica

Alegoría

El siguiente ejercicio consiste en analizar dos imágenes, una original (un pintura de Manet) y otra que es la reinterpretación de esta imagen hecha por una artista contemporánea.

-"Olympia" de Édouard Manet 1863

Esta obra, realizada en 1863 por el francés Edouard Manet, fue inspirada en la "Venus de Urbino" de Tiziano. Según el Musée d'Orsay, "reinventa el tema tradicional del desnudo femenino a través del juego de una pintura franca y sin compromiso". Sin embargo, el artista modifica los personajes principales, ya que la mujer que posa recostada es en esta ocasión una prostituta (se reconoce por el lazo en el cuello y el adorno de orquídea, que, junto con el zapato solo, actúan como fetiches y resaltan la desnudez), y la doncella que la acompaña, no es la típica doncella que es característica del Renacimiento, sino que es una mujer afro cuyo rostro se confunde con el fondo oscuro, la cual causa controversia ya que no se sabe si actúa como cuidadora o como proxeneta, ya que le lleva flores, típica ofrenda de los clientes a las prostitutas. De esta manera vemos cómo Manet cambia todos los elementos del cuadro, hasta el gato, que remplaza el perro que aparece en la composición del artista italiano. Este felino se interpreta como un presagio, que representa también ambigüedad e inquietud.

-"Manet's Olympia" de Jocelyne Grivaud 2010
Grivaud compara a la muñeca Barbie, predilecta de madres e hijas, con la ya escandalosa Olympia de Manet, para generar aún más escádalo, pues este juguete símbolo de inocencia, la cual con la plástica sonrisa atrae toda la atención. Para esta fotógrafa, la Barbie ha sido su musa, y esta fotografía es una de todas las que completan su serie de apologías de Barbies vestidas y retratadas como mujeres de historia, como Coco Chanel, o la Marilyn Monroe de Warhol, o la Mona Lisa de Da Vinci.
Jocelyne Grivaud respeta y se ocupa de traer de nuevo la simbología que Manet incluyó en su composición: el zapato solitario, la mano cubriendo los genitales, el gato negro, la doncella afro trayendo las flores, el lazo negro característico de las prostitutas, el brazalete (que al parecer pertenecía a la madre de Manet), o la orquídea en el pelo, que reemplaza por un lazo rojo.

11.3.14

Semántica

La Imagen

Durante siglos, los significados que aportan las imágenes han evolucionado. Las interpretaciones que se les dan dependen del modo de verlas y esto hace que su verdadero significado no sea el más importante, o el primero en salir a la luz.

Según Jacques Aumont, hay tres modos de imagen:
Simbólico: Cuando la imagen se interpreta como un símbolo, es decir que el significado que se le da no es el real.
Epistémico: Sugiere el verdadero significado de la imagen, es decir que transmite la verdadera información de su significado.
Estético: El propósito de la imagen es complacer al espectador: le transmite sensaciones específicas; se muestra deseable.

A continuación, mostraré un objeto y sus tres interpretaciones de los diferentes modos.

Simbólico: 
Simbólico

Epistémico (imagen tomada de http://elseptimogrado.com/contenidos/?product_id=187)


Estético

27.2.14

Reloj de Millerson

El reloj de Millerson es una herramienta que se utiliza en Iluminación para nombrar con mayor facilidad y exactitud las posiciones de las luces en el estudio, sin embargo, es simplemente un formalismo.

A continuación veremos los ejemplos de la incidencia de la luz sobre el sujeto desde las  1h, a nivel, hasta las 6h (ya que de las posiciones opuestas generan el efecto opuesto no las mostraré). También veremos el reloj aplicado verticalmente.








1h

2h

3h

4h

5h

Entre las 4h y las 5h, en un ángulo picado de 45°, se obtiene el esquema de iluminación llamado Rembrandt.

6h. Luz frontal, justo con la posición de la cámara, aplana al sujeto.

6h, picado a un ángulo de 45°, se obtiene un esquema de iluminación llamado Paramount. Adelgaza el rostro pero acentúa la frente.



Las posiciones de las 7h a las 11h tienen los mismos efectos pero del lado opuesto del sujeto. La luz a las 12h está totalmente detrás del sujeto.
Ahora, veremos el reloj verticalmente.

4h. Esta luz es necesario "banderearla" para que no se vuelva parásita (como en este ejemplo).

5h

6h. Cenit

8h. Luz de pelo

Silueta. Para hacerla, la luz se debe ubicar iluminando el fondo de manera que no llegue nada al sujeto.

Nadir.